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Dorothea Tanning: Detrás de la puerta, invisible, otra puerta

by / diciembre 9, 2018 ARTE No Comments
Dorothea Tanning Hôtel du Pavot, Chambre 202

Dorothea Tanning en la instalación Hôtel du Pavot, Chambre 202 (1970-73)
Cortesía de @arteparadespertar

Dorothea Tanning: Detrás de la puerta, invisible, otra puerta


Un surrealismo sensible y muy femenino, que hasta ahora, visto poco en las salas de los museos. Cuando ya todos teníamos nuestro ojo surrealista acostumbrado a las masturbaciones de Salvador Dalí, el Museo Nacional de Arte Reina Sofía constituye la primera retrospectiva de la artista surrealista Dorothea Tanning (1910-2012, Estados Unidos) y ofrece una nueva perspectiva del surrealismo y de la extraordinaria carrera y visión de Tanning tras varios años de investigación de la comisaria Alyce Mahon.

La muestra, que cuenta también con la colaboración de la Comunidad de Madrid, incluye más de 150 obras de arte creadas entre 1930 y 1997 -muchas de ellas nunca antes vistas por el público-, procedentes del colecciones privadas y de instituciones como el Centro Pompidou de París, la Tate Modern de Londres o el Museo de Arte de Filadelfia. Todo este conjunto permite documentar la gama de medios y expresiones utilizados por Tanning: pinturas, dibujos, collages, esculturas e instalaciones.


Dorothea Tanning en su studio, Sedona, Arizona

Dorothea Tanning en su studio, Sedona, Arizona

“Mujeres artistas”. No existe tal cosa, o persona. Es una contradicción como “artista hombre” o “artista elefante”. Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero el primero no es elegido y el otro eres tú.
                                        – Dorothea Tanning, 1990.

Como figura central de la vanguardia internacional con una enorme influencia en el arte y el diseño contemporáneos, Dorothea Tanning creía en el poder del arte para crear espacios, sensaciones e ideas más allá de lo real.

(La Puerta…)

El motivo de la puerta simboliza esta ambición y regresa repetidamente en su obra. Es el concepto en torno al cual gira la exposición, cuyo título es una adaptación de una entrevista que realizó Tanning con el crítico francés Alain Jouffroy en 1974 y en la que explicó que su primer arte exploraba “este lado” del espejo o de la puerta, mientras que su arte posterior se dirigía al “otro”, ofreciendo un “vértigo perpetuo” en el que una puerta, visible o invisible, conducía a “otra puerta”.

Dorothea Tanning Birthday

Detalle de “Birthday” (Cumpleaños), 1942
Óleo sobre lienzo
Philadelfia Museum of Art

Al principio solo había una foto, un autorretrato. Era un lienzo modesto para los estándares actuales. Pero llenaba mi estudio de Nueva York, la habitación de atrás del apartamento, como si siempre hubiera estado allí. Por un lado, era la habitación; Un día me había llegado una fascinante variedad de puertas (recibidor, cocina, baño, estudio) atestada, llamando mi atención con sus vistas planas, luces, sombras, inminentes aperturas y cierres. Desde allí fue un salto fácil a un sueño de innumerables puertas.

La puerta no es simplemente un umbral en el arte de Tanning, sino una invitación a aventurarse más allá de lo real y a entrar en un mundo de sueños y miedos. Asistimos a una perspectiva interminable que no pretende alienar sino seducir al espectador.

Con este trasfondo, Tanning saca a relucir el simbolismo de la puerta y su poder para dividir el espacio privado y público: en sus pinturas y esculturas, los cuerpos se arquean o batallan contra la puerta, se escapan de las paredes o se deleitan en deseos prohibidos, alcanzan la puerta medio abierta o se zambullen más allá de su marco sombrío.

Dorothea Tanning Door 84

Door 84, 1984
Óleo sobre lienzo con puerta encontrada

Recuerdo que tuve un sueño sobre puertas hace mucho tiempo, y esas puertas después aparecieron  en muchos lienzos. Fue un sueño horrible. La abrí y había otra puerta justo detrás.
 
Y ¿Puerta 84? Esta vez, la puerta es la víctima. Ambas personas están empujando esa puerta. Está siendo empujada por ambos lados. Tal vez nunca debería abrirse.

El autorretrato

La exposición comienza con las primeras obras de Dorothea Tanning, quien creció en la pequeña ciudad de Galesburg, Illinois, y luego viajó en los años 30 a Chicago y Nueva York para desarrollar su carrera como artista. Tanning descubrió la “ilimitada extensión de posibilidad” del surrealismo al ver la exposición Fantastic Art Dada Surrealism de Alfred Barr en 1936 en el MoMA de Nueva York.

Dorothea Tanning Deirdre

Deirdre, 1940
Óleo sobre lienzo

Cuando tenía siete años dibujé una figura con pelos de hojas. ¿Era yo una pequeña surrealista?

Pronto comenzó a explorar este sentido de “espacio e imaginación ilimitados” en su propio arte. En 1939 zarpó a París con la esperanza de encontrar allí a los surrealistas, pero con el estallido de la guerra regresó rápidamente a Nueva York, donde colaboró como ilustradora independiente para diversos grandes almacenes como Macy’s. Algunos ejemplos de estos trabajos mostrados en la exposición.

Macysad

Publicidad de Moda para Macy’s, 1940

Birthday: el nacimiento de una surrealista…

Dorothea Tanning Birthday

Birthday, 1942
Óleo sobre lienzo

Su autorretrato Birthday (cumpleaños) (1942) marcó una clara dirección surrealista. Fue Max Ernst quien tituló la pintura cuando la vio en el estudio de Tanning y la eligió para la histórica exposición de Peggy Guggenheim 31 Women de 1943 en la Art of the Century Gallery de Nueva York. Birthday supuso un doble hito en su vida al iniciar una relación sentimental con Ernst y al convertirse en una artista surrealista.

Tanning utilizó el mismo nombre para su autobiografía de 1986 (ampliada en 2004 a una memoria titulada Between Lives), en la que detalla su vida con Ernst y “recuerdos, anécdotas, conversaciones, vuelos, capturas, voces y opiniones inútiles” en un estilo de escritura abierto e intuitivo.

Y es que la artista escribió y publicó numerosos cuentos, novelas y poemas, desarrollando ideas en diversas revistas. El cuento Abyss (1947) acabó convirtiéndose en una novela que finalmente se publicaría en 2004 -cuando Tanning tenía ya noventa y cuatro años- con el título Chasm: A weekend (Un fin de semana), que puede verse aquí en una de las vitrinas. La escritura no sólo le sirvió como otra forma de autorretrato, sino también como un medio más para explorar mundos reales y alucinatorios.

chasmcover

Chasm: A Weekend, publicado en 2004

Volvió a tocar, esta vez más fuerte, y se sorprendió al sentir que el latido de su corazón saltaba de su pecho, lo que le hizo sonreír. Levantó la mano para tocar de nuevo, pero en cambio se echó hacia atrás, se dio la vuelta y comenzó a alejarse.

 El ajedrez

Un juego descrito por Tanning como “algo voluptuoso, cerca de los huesos”. El ajedrez es un juego de habilidad y azar y Tanning y su marido MaX Ernst compartieron su pasión por él.

ENDGAME DOROTHEA TANNING

Endgame, 1944
Óleo sobre lienzo

Hagenberg: ¿Cuál es la obsesión con el ajedrez de los artistas de tu generación?

Tanning: Es más que un juego. Es una forma de pensar. Tienes que ser listo como en las tácticas de guerra. Eres un buen jugador de ajedrez si tienes un mal genio. Creo que las personas malas son buenos jugadores de ajedrez.

En 1944 Julien Levy organizó una exposición The Imagery of Chess (Imágenes del ajedrez) en su galería de Nueva York en la que se exhibió la pintura de Tanning Endgame (Fin del juego), 1944. En esta obra, la Reina (con un zapato de satén blanco) aparece en el centro del escenario destruyendo al alfil (un obispo simbolizado por la mitra) y, por extensión, a la Iglesia y a los códigos morales que representa en la sociedad.

Dorothea Tanning Max in a Blue Boat

Max in a Blue Boat, 1947 Ólea sobre lienzo

Portrait of Max in a Blue Boat (Max en un bote azul), 1947 también retrata al ajedrez como el intermediario para los dos amantes. Dorothea está mirando a Max y a la línea del horizonte azul, mientras que él viste un chaleco con motivos alquímicos que ponen de manifiesto que la pareja no solo mantiene una unión amorosa, sino también creativa.

La femme enfant: Alícia en el país de las maravillas

Niña-Mujer, en las pinturas y escritos de Tanning. Comparable a Alicia en el país de las maravillas, esta niña vive en un “mundo de asombro perpetuo”.

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Eine Kleine Nachtmusik, 1943
Óleo sobre lienzo

La niña preadolescente de Tanning, a punto de alcanzar la conciencia de la sexualidad, aportó una nueva dimensión al surrealismo en un momento en que André Breton aconsejaba que la sociedad desgarrada por la guerra necesitaba buscar inspiración en lo femenino. Es el potencial erótico de la chica lo que causa estragos en los interiores domésticos y las expectativas de la burguesía.

Esto se ejemplifica en Eine Kleine Nachtmusik, donde chicas con el pelo electrificado y vestidos victorianos rotos son conducidas a una puerta medio abierta. Al igual que el girasol retorcido, las niñas simbolizan la fuerza de la naturaleza, desafiando la fertilidad.

Dorothea Tanning The guest room

The Guest Room, 1950-52 Óleo sobre lienzo

La pintura en la que estaba trabajando, que luego convirtió en “The Guest Room”, implicaba un desnudo, y necesitaba una modelo. En el camino de nuestra casa vivía Patsy, diez años. Patsy accedió, y su madre no podía importarle menos. Pero Patsy no se desnudaría. De hecho, estaba preparada para las bragas, pero no un sujetador (para ocultar nada). De repente, comencé a hablarle a Patsy sobre arte, sobre el gran museo, en la misma ciudad donde vive el Presidente de los Estados Unidos y donde algunos visitantes del museo comprenden que el objeto más hermoso de la naturaleza es el cuerpo humano. “Te mostraré”, le dije, apresurándome a abrir el libro, repasando las páginas, cada vez más rápido, es extraño, los había visto allí, lss bañistas de Gauguin, los Poussins, las alegorías italianas … ¡Ay! no estaban en el libro, que por lo tanto era seguro para las alumnas.

Todo esto ocurrió en los tiempos oscuros, desde el punto de vista artístico, hace medio siglo. Esto no podría suceder hoy en día, seguramente no, excepto tal vez en Texas.

El elemento de terror gótico continúa en Guest Room (Habitación de invitados) donde de nuevo encontramos una niña desnuda frente a una puerta que sirve como portal al oscuro mundo del sueño y el deseo. La puerta representa el umbral que separa la infancia de la edad adulta, la inocencia del conocimiento.

La novela Familiar

Más adelante, la exposición explora la subversión de la institución de la familia en Tanning y los códigos morales que representa. En sus obras, el mantel blanco adquiere un significado subversivo propio en las escenas domésticas donde la imaginación distorsiona y expande el género de la naturaleza muerta.

Dorothea Tanning Family Portrait

Portrait de famille (Portada de Familia), 1953-54
Óleo sobre lienzo
Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris

 

Marcel Duhamel: Esto es particularmente evidente en “Portrait de famille” , donde todos los personajes están representados en proporción a la importancia que tenían entonces en tus ojos. ¿Parece que has dado por terminado ese tema?

No realmente … Es más generalmente un comentario sobre la jerarquía dentro de la familia sacrosanta. Mi padre, a pesar de todo, trajo un soplo de exotismo a nuestras vidas.

En Family portrait (Retrato de familia), por ejemplo, el padre es escenificado en esta ordenada mesa como una figura autárquica gigantesca. En Some Roses and their Phantoms (Algunas rosas y sus fantasmas), Poached Trout (La trucha hervida)  y The Philosophers (Los filósofos) el hogar se convierte en el espacio surrealista por excelencia, su familiaridad se vuelve extraña.

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The Philosophers, 1952
Óleo sobre lienzo

Dorothea Tanning Maternity

Maternity, 1946-47
Óleo sobre lienzo

La figura materna también se representa en términos no convencionales, como lo demuestra Maternity (Maternidad), donde una madre, un niño y un perro se encuentran ante un paisaje apocalíptico en el que una fantástica criatura blanca, sin cabeza pero con pechos y útero bulbosos, es visible en el horizonte detrás de una puerta abierta.

 ¿Sexo o Tango?

Dorothea Tanning Tango Lives

Tango Lives, 1977
Óleo sobre lienzo

El color empieza a dominar sobre la línea y las pinceladas imprecisas permiten que los cuerpos y los tejidos y adopten un matiz barroco. En ella, un hombre y una mujer desnudos se funden para crear una figura expresiva, y sus brazos y sus piernas se confunden con el espacio que los rodea, en una alusión a las posibilidades ilimitadas del deseo y de la imaginación.

 Esculturas Blandas

Dorothea Tanning Étreinte

Étreinte, 1969

A mediados de los años 60, Tanning recurre a su máquina de coser para hacer esculturas blandas. Las formas eróticas son retorcidas en By What Love (De qué amor), Xmas (Navidad) y Étreinte, mientras que en Emma, la carne rosada y la falda de encaje despeinada hacen referencia a la célebre protagonista femenina en Madame Bovary (1856) de Gustave Flaubert, una mujer que escapa del aburrimiento de la vida matrimonial a través de la literatura y las aventuras clandestinas.

Dorothea Tanning, Emma

Emma, 1970
Tela, Lana y encaje

 ¿Qué pensaría Molly Bloom de Emma Bovary? (Mi escultura de tela de 1970, “Emma”).

Presagiando las esculturas blandas de Louise Bourgeois y apostando por lo artesanal más que por el objeto industrial, Tanning adelantó el objeto surrealista para que adquiriera nuevas cualidades al sentido del tacto y cierta condición fetichista. El énfasis en la blandura también desafió entonces la moda del minimalismo de vanguardia en el mundo del arte y el anonimato del floreciente consumismo de masas en la sociedad occidental.

 La habitación 202

Dorothea Tanning Chambre 202

Dorothea Tanning en proceso de “Chambre 202″, (1970-73)

M. L-S .: Entonces esto nos lleva a tu ropa, o como algunos los llaman, esculturas blandas. Sabiendo que los creas de principio a fin, me gustaría preguntarte qué significan para ti, cómo encajan en el contexto de tu trabajo como pintora.
 
Estas esculturas representan para mí dos o tres tipos de triunfos:
1. El triunfo de la tela como material para fines elevados.
2. El triunfo de la suavidad sobre la dureza: ¿cómo puede una escultura dura tener la voluptuosidad táctil de una blanda,
3. El triunfo del artista sobre su material volátil, en este estuche de tela viva.
 
Hay otro triunfo más pequeño, que es el de definir el significado real de la alta costura, ya que la alta costura debe significar, a priori, la invención y ejecución de un objeto que nadie más podría hacer o inventar. Debe, como cualquier cosa de alta Costura, ser un objeto único y primordial.

 La instalación Hôtel du Pavot, Chambre 202  de Tanning trata de un espacio arquitectónico misterioso en el que lo banal se convierte en pesadilla y extraño. Aquí encontramos “materiales vivos que se convierten en esculturas vivientes, su vida se parece a la nuestra”, como explicó la artista en su día.

Dorothea Tanning Chambre 202

Detalles del Chambre 202

Tanning tuvo la idea de esculturas vivas cuando escuchó los Himnen de Karlheinz Stockhausen, interpretados en la Maison de la Radio de París en 1969, inspirándole una instalación surrealista en la que miembros femeninos carnosos atraviesan el papel pintado junto con muebles antropomórficos.

Dorothea Tanning Hôtel du Pavot

Hôtel du Pavot, Chambre 202 (Poppy Hotel, Room 202), 1970-73

En la habitacion 202
Las paredes siguen hablando contigo
Nunca te diré lo que dijeron.
Así que apaga la luz y ven a la cama.

Escrita en la década de 1920, la canción lamenta el destino de Kitty Kane, la ex esposa de un gangster de Chicago, quien se envenenó en la habitación 202 de un hotel local. Existen varios versos pero estas son las palabras que ella recuerda …

Sólo una puerta medio abierta con el número ‘202’ parece ofrecer alguna salida, pero esto también tiene un significado macabro, ya que alude a una canción popular de 1919 titulada In Room 202, que cuenta la historia de la esposa de un gángster, Kitty Kane, que se envenenó de manera consciente en la habitación 202 de un hotel de Chicago.

El deseo dionisiaco

Forma la última parte de la exposición y reúne muchos temas tratados anteriormente: el autorretrato, la intimidad, el movimiento, el juego con la escala y el espacio, y el deseo. Tanning se negó sistemáticamente a ser etiquetada como mujer artista, afirmando en 1990: “Puedes ser mujer y puedes ser artista; pero lo primero es un hecho y lo otro eres tú”.

Dorothea Tanning Woman Artist, Nude, Standing

Detalle de Woman Artist, Nude, Standing, 1985-87
Óle sobre lienzo

Su último autorretrato, Woman Artist, Nude Standing ejemplifica esta postura, ya que rechaza el tradicional desnudo alargado por una figura que está casi blindada con su propia carne y coronada por una mantilla con una flor roja de amapola en llamas.

La última serie de obras de Tanning, realizada cuando casi tenía ya 90 años de edad, consistió en doce flores carnosas pintadas en 1997-98, en las que los pétalos se retuercen como un amante como ocurre en Crepuscula glacialia (1997) donde, según la comisaria de la exposición, “no sólo se hace visible el deseo femenino sino también palpable para el espectador”.

Crepuscula glacialis Dorothea Tanning

Crepuscula glacialis (var., Flos cuculi), 1997

Me Abro ante ti
el tiempo del cuco
la vision del rocio
El blanco cuando el día es nuevo.
el brillo por el que pasa
la sombra en la que se convierte
a la hora del eco
por detrás de la montaña

 

 El mundo fantástico de Dorothea Tanning estará abierto para nosotros, en el Museo Reina Sofía, hasta el 7 de enero del 2019.

 

 

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